Albrecht Durer est né dans une grande famille de joaillier, il avait dix-sept frères et sœurs. Au XVe siècle, la profession de joaillier était considérée comme très respectueuse, le père a donc essayé d'enseigner à ses enfants le métier dans lequel il se livrait. Mais le talent d'Albrecht pour l'art est apparu assez tôt dans la vie, et son père ne l'a pas dissuadé, au contraire, à l'âge de 15 ans, il a envoyé son fils chez le célèbre maître de Nuremberg Michael Volgemut. Après 4 ans de formation avec le maître, Dürer part en voyage et peint en même temps son premier tableau indépendant, "Portrait du Père". Pendant le voyage, il a perfectionné ses compétences avec différents artisans dans différentes villes. Considérer les tableaux les plus célèbres d'Albrecht Durerreconnu par la communauté internationale.
10. Autoportrait au houx
Autoportrait au houx. Cette peinture de Dürer a provoqué beaucoup de condamnations, tant chez les contemporains de l'artiste que chez les critiques contemporains de la peinture. La chose est dans la pose dans laquelle l'auteur s'est peint et le message caché transmis à travers les détails. A l'époque de l'artiste, en pleine face ou proche de cela, seuls les saints pouvaient être dessinés. Le houx dans la main de l'artiste envoie un message à la couronne d'épines, qui a été posée sur la tête du Christ lors de la crucifixion. L'inscription dans la partie supérieure de la toile se lit comme suit: "Mes actes sont déterminés d'en haut", c'est une référence à la dévotion de l'auteur à Dieu, et que toutes ses réalisations à ce stade de sa vie sont avec la bénédiction du Seigneur. Cette image, conservée au Louvre, est considérée comme ayant introduit certains changements dans la vision humaine du monde.
9. Autoportrait de Durer à l'âge adulte
Autoportrait de Durer à l'âge adulte. Avec l'âge, Dürer est allé encore plus loin en reflétant ses expériences sur toile. Pour cette impudence, les contemporains ont brutalement critiqué l'artiste. Sur cette toile, il a peint son autoportrait en plein visage. Alors que des contemporains encore plus reconnus ne pouvaient pas se permettre une telle impudence. Dans le portrait, l'auteur regarde strictement devant lui et tient sa main au milieu de la poitrine, ce qui est caractéristique des reflets du Christ. Les méchants trouvent dans la peinture de Dürer toutes les similitudes et lui reprochent de se comparer au Christ. En regardant l'image, quelqu'un peut être d'accord avec les critiques et quelqu'un peut voir quelque chose de plus. Il n'y a pas d'objets attirant l'attention dans l'image, ce qui oblige le contemplateur à se concentrer sur l'image d'une personne. Ceux qui ont vu l'image considèrent la gamme des sentiments sur le visage et l'image de la personne représentée.
8. Portrait d'un vénitien
Portrait d'un vénitien. Le portrait peint en 1505 est considéré comme l'œuvre vénitienne de Dürer. C'est durant cette période qu'il passe la deuxième fois à Venise et perfectionne ses compétences avec Giovanni Bellini, avec qui il finit par devenir ami. On ne sait pas qui est représenté dans le portrait; certains suggèrent qu'il s'agit d'une courtisane vénitienne. Puisqu'il n'y a aucune information sur le mariage de l'artiste, il n'y a pas d'autres versions sur la personne de la personne qui a posé. La peinture est conservée au Musée d'art et d'histoire de Vienne.
7. Martyre de dix mille chrétiens
Martyre de dix mille chrétiens. Le tableau a été commandé par le saint patron de Dürer pour l'église All Saints à Wittenberg. En raison de la présence dans l'église des reliques de certains martyrs de ces dix mille. Une histoire religieuse familière à de nombreux croyants au sujet du passage à tabac de soldats chrétiens sur le mont Ararat se reflète dans tous les détails. Au centre de la composition, l'auteur s'est peint avec un drapeau sur lequel il a écrit l'heure de l'écriture et l'auteur de l'image. À côté de lui est l'ami de Dürer, l'humaniste Conrad Celtis, décédé avant la fin du tableau.
6. Fête du chapelet
Les vacances sont claires. La peinture la plus reconnaissable de Dürer a été peinte pour l'église San Bartholomew en Italie. L'artiste a peint ce tableau pendant plusieurs années. L'image est saturée de couleurs vives, car une telle tendance est devenue populaire à cette époque. Le tableau a été nommé ainsi en raison de l'intrigue qui y est reflétée, des moines dominicains qui utilisaient le chapelet dans leurs prières. Au centre de l'image se trouve la Vierge Marie avec l'enfant Christ dans ses bras. Entouré d'adorateurs, dont le pape Julien le second et l'empereur Maximilien le premier. Bébé - Jésus distribue des couronnes de roses à tout le monde. Les moines dominicains utilisaient des perles de couleurs strictement blanches et rouges. Les blancs symbolisent la joie de la Vierge, le sang rouge du Christ à la crucifixion.
5. Mains de la prière
Mains de la prière. Un autre tableau très célèbre de Dürer a été copié à plusieurs reprises, imprimé sur des cartes postales, des timbres et même des pièces de monnaie. L'histoire du tableau est frappante par sa symbolique. La toile représente non seulement la main d'un homme pieux, mais son frère Dürer. Enfant, les frères ont accepté de peindre à tour de rôle, car la renommée et la richesse de ce métier ne sont pas venues immédiatement et pas à tout le monde, l'un des frères a dû assurer l'existence de l'autre. Albrecht a été le premier à se charger de la peinture, et quand ce fut le tour de son frère, ses mains avaient déjà perdu l'habitude de peindre, il ne savait pas écrire. Mais le frère d'Albrecht était un homme pieux et humble, il n'était pas fâché avec son frère. Ces mains se reflètent dans l'image.
4. Portrait de Maximilien I
Portrait de Maximilien I. Dürer a représenté son patron plusieurs fois dans différentes peintures, mais le portrait de Maximilien le premier est devenu l'une des peintures de renommée mondiale. L'empereur est représenté, comme il sied aux monarques, aux robes riches, au regard arrogant, l'image souffle l'arrogance. Comme dans d'autres tableaux de l'artiste, il y a une sorte de symbole. L'empereur tient une grenade à la main, symbole d'abondance et d'immortalité. Un indice que c'est lui qui apporte la prospérité et la fertilité au peuple. Les grains visibles sur le morceau de grenade pelé sont un symbole de la polyvalence de la personnalité de l'empereur.
3. Chevalier, mort et diable
Chevalier, mort et diable. Cette gravure de Dürer symbolise le chemin d'une personne à travers la vie. Un chevalier en armure est un homme protégé par sa foi des tentations. Une mort proche est représentée avec un sablier à la main, indiquant le résultat à la fin du temps imparti. Le diable va derrière le chevalier, représenté comme une sorte de misérable créature, mais prêt à l'attaquer à la moindre occasion. Tout se résume à la lutte éternelle entre le bien et le mal, le courage devant les tentations.
2. Les quatre cavaliers de l'apocalypse
Les quatre cavaliers de l'Apocalypse. La gravure la plus célèbre de Dürer de ses 15 œuvres sur le thème de l'Apocalypse biblique. Les quatre cavaliers sont vainqueur, guerre, faim et mort. L'enfer qui les suit, sur la gravure, est représenté comme une bête à bouche ouverte. Comme dans la légende, les cavaliers se précipitent, balayant tous les pauvres et les riches, et les rois et les gens du commun sur leur chemin. Une référence à ce que tout le monde mérite, et chacun répondra des péchés.
1. Adoration des mages
Adoration des mages. Le tableau a été peint lors du retour de Dürer d'Italie. Sur la photo, l'attention allemande aux détails et aux couleurs s'entremêlent, la luminosité des couleurs caractéristique de la Renaissance italienne. L'attention aux lignes, aux subtilités mécaniques et aux bagatelles fait référence aux œuvres de croquis de Léonard de Vinci. Dans cette image mondialement connue, la scène est décrite en détail dans les légendes bibliques et transférée sur la toile en couleurs, cela laisse l'impression que c'est exactement ce qui s'est passé.